(Исследовательская работа: искусствоведение)

Альбина ХАМАТШИНА,

учитель русского языка и литературы

Старо-Иштерякской основной школы

Лениногорского района РТ

Введение

История искусств – раздел искусствоведения и всеобщей истории, предметом изучения которого является процесс и закономерности развития искусств со времён их зарождения до настоящего времени.

В проектно-исследовательской работе мы ставим перед собой задачу изучить лишь основные вехи развития искусств Древней Греции и Италии, выделить основные периоды и познакомиться с особенностями каждого из видов искусств: скульптура, живопись, архитектура – для того, чтобы иметь возможность в полной мере наслаждаться выдающимися произведениями великих мастеров разных эпох.

Актуальность исследования обусловлена тем, что до наших времен сохранилось не малое количество произведений изобразительного искусства, скульптуры, а также архитектурные памятники различных  эпох, которые востребованы и в XXI веке, так как они развивают кругозор, эстетический вкус. Экскурсии, во время которых можно обозреть данные достояния пользуются постоянным спросом в наши дни. Все дошедшие до нас произведения доказывают и показывают нам, что человек это центр Вселенной, тем самым внушая уверенность, веру в свои силы, целеустремленность, самосовершенствование и саморазвитие – данные качества необходимы человеку в современном мире. Исходя из вышеописанного, можно констатировать, что изучение искусства актуально в современности.

Новизна заключается в том, что в современной школе данная тема редко изучается либо изучается учениками самостоятельно. На данную тему выделяется 2 часа; для закрепления данной темы исследования предлагается урок-игра, который соответствует требованиям ФГОС и современному образованию учеников.

Объектом исследования является архитектура, скульптура, живопись  в Древней Греции, Древнем Риме.

Цель исследования – изучение особенностей, сходства и различия в различные периоды истории  архитектуры, скульптуры, живописи.

Задачи:

1) Проанализировать источники и литературу по данной теме исследования;

2) Изучить архитектуру, живопись, скульптуру Древней Греции и Италии в различные периоды  и выделить особенности;

3) Проанализировать вклад выдающихся деятелей искусства в развитие культуры;

4) Сделать выводы по рассматриваемой теме исследования;

5) Адаптировать материал исследования к современному преподаванию истории в школе, связанных со ФГОС;

6) Разработать урок в средней школе на тему «Ознакомительное путешествие по историческим эпохам развития искусства в Древней Греции и Италии».

ГЛАВА  I

СКУЛЬПТУРА

Искусство Древней Греции и Италии

Вся южная часть Италии была колонизирована греками начиная с VIII  века до н.э. и называлась Великая Греция. Греческие колонии были богаты искусством и культурой:

– Пифагор основал в Кротоне свою школу;

– Архимед, великий ученый из Сиракуз, совершил множество открытий;

– Греческие архитекторы возвели чудесные храмы в Пестуме, в Агридженто и в др. местах.

Вот почему на юге Италии столько музеев с разными археологическими находками. На эту тему у итальянцев есть даже шутка: Ovunque scavare, qualcosa di antico venga alla luce in Italia (перевод – … в Италии где ни копни, что-нибудь древнее да обнаружится). Например, Помпеи –  город у подножия вулкана Везувия,  который был стерт с лица земли в результате извержения в 79 году. Археологический парк – часть Помпеи. Поэтому часто принимают решение не вести раскопки на исторически-значимых территориях. Таким образом многие артефакты остаются под землей. Несмотря на это, на юге Италии основано множество потрясающих музеев античного искусства, в арсенале которых сотни классических терракотовых ваз, краснофигурных или чернофигурных, золотые украшения, оружие, статуэтки и прочее декоративно-прикладное искусство. Различают изящное искусство: живопись, скульптура, рисунок, музыка, поэзия. Керамика, текстура, вышивка, резьба, инкрустация – прикладное искусство.

Но, пожалуй, самые впечатляющие из произведений, созданные древне-греческими творцами – это скульптуры, воплотившие в себе идеал абсолютной красоты, совершенной и неувядающей. Это вершина пластического искусства. Не случайно многие римские скульпторы копировали греческие скульптуры и немало произведений древнегреческой скульптуры дошли до нас лишь благодаря римским копиям. Opera (итал. – произведение литературное, музыкальное, скульптурное).

А как отличить греческий оригинал от римской копии? Греки умели изображать человеческое тело таким гармоничным и сбалансированным, что  греческие статуи имели две точки опоры, тогда как у всех остальных – как минимум три. Статуи были так сбалансированы, что сохраняли равновесие в любой позе. В более поздней скульптуре появляются деревца, драпировка, огрызки колон и прочие довески… У которых, по сути, цель всего лишь одна – дать недостающую, третью точку опоры. Даже Великий Микеланджело при всей близости к античному идеалу предпочел укрепить ногу своего Давида деревом.

Излюбленными материалами греческих скульпторов, как мы видим, были мрамор и бронза. Среди статуй из бронзы один из самых впечатляющих примеров – бронзовые статуи из Риаче (V век до н.э.), которые нашли в море, неподалеку от Реджо-Калабрия, около 50 лет тому назад. Это две прекрасные мужские обнаженные фигуры, которые, по мнению ученых, изображают двух воинов, потому что в согнутых руках явно был щит, а в другой руке было оружие.

     Искусство Этрусков. Еще одно искусство, которое существовало на территории Италии до римлян – это разумеется искусство Этрусков. Этруски были народом загадочным с воистину своеобразным отношением к смерти. И их искусство по большей части – искусство погребальное. Они создали огромное количество некрополей, очень впечатляющих, таких, как некрополь Черветери или Тарквини, который находится неподалеку от Рима.

Этрусские статуи по большей части возлежат на саркофагах, потому что изображают покойных, которые, как ни странно, выглядят довольными, с неизменной улыбочкой, словно им известно о смерти и загробной жизни что-то такое, чего мы не знаем…

      История «Химе́ры из Аре́ццо»

«Химеру» нашли в Ареццо, основанном этрусками тосканском городе, в 1553 году. При рытье траншей у городских стен рабочие случайно обнаружили клад античных бронзовых предметов. Среди них была скульптура, которую поначалу приняли за льва, так как змеиного хвоста не хватало. Находки отослали во Флоренцию, и следовательно они поступили в коллекцию великого герцога Козимо I Медичи. Он выставил самую крупную скульптуру на всеобщее обозрение в Палаццо Веккьо, в то время как небольшие бронзовые предметы из клада хранились в покоях герцога в Палаццо Питти, где тот, по словам Бенвенуто Челлини, «находил великое удовольствие в том, что чистил их сам, используя орудия златокузнеца». Среди малых предметов клада был, по сообщению Вазари, и кусок хвоста, благодаря которому скульптуру признали изваянием химеры. В XVIII веке восстановили змееподобный хвост.

      Характеристика

Статуя относится к среднему периоду этрусского искусства, периоду, когда этрусская скульптура испытывала влияние архаической ионийской скульптуры. Это сказывалось в тонкой проработке фактуры, игре со светом. Итальянский исследователь так описывает ситуацию: «…с VI в. до н. э. начинает ощущаться влияние архаической ионийской скульптуры. Вулке, единственному известному нам по имени этрусскому скульптору эпохи архаики, или его непосредственному окружению принадлежит большая статуя Аполлона из Вей, являвшаяся частью наружного украшения (из терракоты) храма. Исполнение фигуры свидетельствует об ионийских веяниях, оказавших воздействие на скульптора. Обширные ровные поверхности фигуры переходят в тонкие вибрирующие нервюры складок одежды, хорошо взаимодействующие со светом. Постановка фигуры основана на другом принципе – она словно устремлена в пространство, что приводит к более резким светотеневым контрастам. Точно так же в бронзовой «Капитолийской волчице» ионийское влияние очевидно в тончайшей проработке тела животного и в стилизованной передаче шерсти на шее, что позволяет добиться значительной градации в игре света и тени. Однако по-новому подмечено в натуре и передано в скульптуре напряжение мышц под кожей животного. Вскоре после этого (в V в. до н. э.) «Химера из Ареццо», один из крупнейших шедевров древней бронзовой скульптуры, станет доказательством усилившегося ионийского влияния, переходящего в свою противоположность благодаря усилению лаконичности и экспрессивности. Выгнутая дугой спина, хвост-змея, напряжённый, как пружина, делают форму более замкнутой: твёрдая и блестящая материя становится живой сущностью образа. Выступающие вены, сухожилия, мышцы и даже завитки гривы служат не столько для передачи анатомического строения тела, сколько для создания впечатления жизненной энергии, исходящей из бронзовой фигуры».

Древнеримская скульптура поначалу была под сильным влиянием греческой. Не зря римляне делали бесконечные копии греческих статуй. Однако, они добавили одно очень важное новшество – психологический портрет. Их статуи уже не изображают абстрактный идеал, а показывают нам реальных людей, определенного возраста, со своим характером. Римлян все меньше интересует тело целиком и самые распространенные формы – это бюст и отдельно голова. Ну а с упадком Римской Империи мы подходим к Средневековью.

     Романское искусство (не путать с Римским искусством, разница 1000 лет). Романская скульптура развивалась как часть архитектурного убранства, украшавшего окна и порталы или же саркофаги. Поэтому большая часть произведений – это рельефы и барельефы. Работая со стенами, художники часто использовали песчаник. Так, некоторые из знаменитых скульпторов того времени достигли наивысочайшего профессионализма в данном ремесле: «Говорят, что Микеланджело родился с резцом в руке и пил молоко, замешанное на мраморной крошке».

      Эпоха «Возраждение» (Ренессанс). Перескочив «Готику», мы перешли к Микеланджело и Донателло. Знаменитый период «Возрождение» между первыми десятилетиями XV-XVI вв., когда во всей Италии произошел расцвет искусства, и трудились великие скульпторы, такие как, Донателло, Брунеллески, Микеланджело и др. Искусство снова открыло для себя совершенство античной скульптуры, стремясь достичь идеала былых времен и творя, таким образом, новый идеал.

Символ скульптуры эпохи возрождения и шедевр мирового значения – это Давид Микеланджело. Многие считают его самым прекрасным творением рук человеческих. Он так гармоничен, что мало кто замечает, что Микеланджело изваял Давида с головой и руками чуть крупнее, чем нужно, потому что скульптуру предполагалось разместить возле купола Санта-Мария-дель-Фьоре (г. Флоренция). Сейчас она установлена на высоком пьедестале, но он не такой высокий, как флорентийский собор.

Статуя Давида, созданная руками итальянского скульптора Микеланджело Буонарроти в начале XVI века, прекрасно сохранилась до наших дней. Она выставлена во флорентийской Академии изящных художеств и доступна для осмотра всем желающим. Давид — герой ветхозаветных сюжетов.

    Описание скульптуры

Статуя высотой 5,17 м изображает обнаженного иудейского царя Давида перед битвой с опасным врагом – воином Голиафом. Он спокоен, но сосредоточен и готов к бою. Мышцы слегка напряжены, губы сжаты, а брови сдвинуты и нахмурены. Даже посадка головы демонстрирует несгибаемую волю и твердый характер. При этом тело довольно расслаблено. Как будто царь уверен в своей победе. Возможно, уверенности ему прибавляет перекинутая через левое плечо праща — грозное оружие для метания камней, которое сулит гибель противнику.

     История создания

Изначально статуя Давида задумывалась как религиозная скульптура. Ей и еще одиннадцатью фигурами в XV веке должны были украсить периметр главного кафедрального храма Флоренции – Санта-Мария-дель-Фьоре. Работы продвигались медленно, до Давида было изготовлено лишь две статуи. На этом процесс украшения храма и вовсе остановился. Огромная глыба мрамора, предназначенная для скульптуры иудейского царя, почти полвека стояла под открытым небом. Она подвергалась воздействию солнца, осадков, да и некоторые мастера предпринимали попытки ее обтесать. В результате амбициозному молодому Микеланджело достался материал не самого лучшего качества. Ему нужно было превратить мраморную глыбу в красивую фигуру и при этом как-то «обойти» имеющиеся повреждения. В 1501 году Микеланджело подписал договор на 200 флоринов и пообещал закончить работу над статуей Давида через 2 года. Создание статуи происходило в атмосфере тайны. Микеланджело работал один, передвигаясь вдоль скульптуры по строительным лесам. Работы велись независимо от погоды и времени суток. Вокруг фигуры было возведено деревянное ограждение, чтобы никто не мог наблюдать за их ходом.

Установка статуи Давида.

В 1504 году именитые флорентийские художники собрались у
Микеланджело, чтобы оценить качество его работы. Но совершенная
статуя Давида настолько потрясла их воображение, что
большинством голосов было решено не размещать ее возле
кафедрального собора. Ее установили в лоджии Ланци, где дела
города обсуждал выборный совет. Транспортировка статуи заняла
четыре дня. Именно в это время иудейский царь Давид,
увековеченный в мраморе, потерял свое религиозное значение.
Отныне он стал символом борьбы народа Флоренции за свободу. В
1873 году статую Давида, созданную Микеланджело,
транспортировали в Академию изящных искусств. Это было сделано
для ее защиты от ветров и осадков. Там она осталась и до сегодняшних дней.

То, что возникло после Микеланджело, называется «Маньеризмо». Стало быть Бенвенуто Челини, одна из самых известных и эксцентричных фигур того времени, был маньеристом. Маньеристам было интересно не столько следовать природе, сколько выработать собственную манеру: изощренную, чувственную, исполненную динамики.

Статуя «Персея с головой Медузы» одна из немногих подлинных шедевров, представленных  под левой аркой Лоджии Ланци на огромной площади Синьории во Флоренции..  Если обойти «Персея» и посмотреть на затылок, можно увидеть автопортрет скульптора, спрятанный в волосах. Эта работа – одна из знаменитых шедевров Челлини, по которой его знают во всем мире. И за которую он так не дождался окончательной оплаты.

Следуя логике развития искусства, мало-помалу мы подходим к Барокко. Это уже XVII век. Движения становятся еще драматичнее, развеваются драпировки… Присутствует огромное внимание к деталям и порой немалая избыточность. Самым значительным представителем итальянского барокко был Джан Лоренцо Бернини. Он оказал огромное влияние на современников. И «лицо» Рима, как барочного города, в основном определил во многом он. Один из самых показательных примеров барочной скульптуры – это его «Экстаз святой Терезы», которая находится в церкви Санта-Мария-делла-Виттория в Риме.

Роскошь, излишество, уникальные и продуманные детали — основные признаки барочного стиля.

Во второй половине XVIII века зародился неоклассицизм, пожелавший вернуться к совершенству форм и идеалу. Неокласси́ческое иску́сство, также неоклассицизм – широко распространённое художественное направление и один из доминирующих стилей в искусстве второй половины XVIII – первой трети XIX века, опирающийся на эстетику искусства Древней Греции и Древнего Рима (Античности). Неоклассическое искусство стремилось к гармонии, ясности, строгости, монументальности и высоким нравственным идеалам. По достоинству оценить данное направление мы можем глядя на произведения Антонио Кановы. Мраморная полуобнаженная скульптура знаменитой сестры Наполеона Банопарта –  Паолины Банопарт, в образе Венеры Победительницы. Скульптура выставлена  в галерее Боргезе. Еще один шедевр Кановы – статуя  «Три грации».

ГЛАВА  II

АРХИТЕКТУРА

Греческие храмы в Италии чудесным образом сохранились до нашего времени в отличном состоянии, в том числе, благодаря землетрясениям. Долина храмов в городе Агридженто – великий памятник античной архитектуры. Славится раскопками сохранившихся доисторических храмов 5-го столетия до н.э. Монументальный комплекс Долины Храмов, сооруженный древнегреческими колонистами,  находится под охраной Всемирного наследия ЮНЕСКО с 1997 года.

Уже в период архаики в Древней Греции появились и в общих чертах утвердились основные принципы архитектуры:

– греки не использовали арочные своды и купола, поэтому все их здания состояли из вертикальных опор – колонн и, поддерживаемых ими, прямых горизонтальных перекрытий;

– основные типы колонн и соотношение несущих и несомых частей здания оформились в жёсткую систему, называемую о́рдерной (от греч «о́рдер» — «норма, порядок»).

Главным достижением архаики считается появление и утверждение ордерной системы в архитектуре – соотношения опоры (колонны) и перекрытия, которое она держала. Классическая греческая колонна состояла из трёх частей: базы – основы, на которой устанавливалось тело (или ствол) колонны и капите́́ли – её самой верхней части, поддерживающей балки перекрытий.  Греки создали три типа колонн, ставших основой классических ордеров: дори́ческого(1), иони́ческого(2) и кори́нфского(3) (рис. 1). Каждый из них, был по-своему антропоморфным, то есть наделялся в воображении греков чертами, присущими человеку. В знаменитом Римском Колизее были использованы все три типа ордеров. Каждому ярусу соответствует свой ордер.  Говоря об амфитеатрах, можно выделить основные элементы:

– орхестра, зона представления греческого театра;

– проскений, своеобразный своеобразный помост для актеров;

– скена, помещение для переодевания актеров.

В отличие от языческих храмов христианские церкви возводили в виде латинского креста. Строение состояло из центрального нефа (вытянутое помещение с колоннами) двух боковых нефов и одного поперечного. Заключительная часть церкви, которая по традиции обращена на восток и имеет полукруглую форму, называется апсид. В храмах апсиды образуют собой алтарь – важнейшую часть церковного здания, где происходит главное церковное Таинство.

В православных храмах алтарь отделен от остальной части церкви иконостасом. В Италии примеры иконостасов представлены в раннехристианских церквях. Это южная часть Италии, которая развивалась под влиянием Византийской культуры.

Еще одним из важнейших стилей архитектуры, после античного, является романский стиль. Романский архитектура лаконична и имеет ряд особенностей:

–  толстые стены, которые служили для поддержки и защиты;

– величественные порталы, арки и своды;

– небольшие окна с глубокими откосами и розетками;

– декоративными элементами, такими как резные каменные фигуры, капители (верхняя часть колонны), архитравы (горизонтальная балка над колоннами) и фрески (рисунки на стенах);

– крепостные сооружения.

Обычно порталы романского стиля имеют круглую форму арки, которые нередко украшенные красивыми рельефами  по бокам. Также можем видеть декорации в виде львов. Внутри храмов располагаются саркофаги, покрытые рельефами, полы покрыты мозаикой, состоящей из мелких кусочков мрамора. В Итальянских церквях много кафедр. Кафедра – это место для проповеди. В своем классическом виде она сформировалась в XIII в. Чем больше становились церкви и чем большее значение придавалось проповеди, тем выше строилась кафедра и тем тщательней она декорировалась.

Среди наиболее интересных архитектурных сооружений: Собор в Пизе, Кафедральный собор Сполето, Кафедральный собор Святого Руфино Ассизского, Базилика Сан-Марко в Венеции, а также огромное количество кафедральных соборов норманнской эпохи в Пулие.

    Готический стиль в архитектуре стал завершающим этапом в развитии средневекового искусства перед началом эпохи Возрождения. Готика властвовала в Европе с 12 по 16 века, заменив романский стиль. Название стилю дали варварские германские племена, вторгавшиеся в пределы Римской империи с севера (III-V вв. н.э.), которых римляне называли «готами». Сам термин появился уже в эпоху Ренессанса, его использовали в качестве насмешливого обозначения средневековой культуры. Считается, что первым название «готика» употребил Джорджо Вазари. Зародился готический стиль в середине XII века на севере Франции, спустя век он уже был распространен практически на всей территории Центральной Европы.    Несколько позже он проник в Италию и в страны Восточной Европы. Этот стиль получил развитие в странах, где была сильна католическая церковь, которая поддерживала религиозную идеологию готики. Искусство готики
являлось культовым, его назначением было обращение к Высшим силам, к вечности. И поэтому основным сооружением в стиле готики был собор – храмовое сооружение, которое предоставляло собой синтез архитектуры, скульптуры, живописи, витражного искусства. Появление готического стиля совпало с изменениями в средневековом обществе: начали формироваться централизованные государства, росли города, развивалось градостроительство. В центре города возводился большой собор, здесь сосредотачивалась основная общественная жизнь.

Готическая архитектура в Италии в целом более спокойная и менее экспрессивная, чем, например, готика во Франции или в Германии. Очень часто она представляет собой смешение романского стиля с готикой. Примеры: Базилика Сан-Франческо в Ассизе, Кафедральный собор в Сиене. Невозможно не упомянуть готические своды. Наиболее распространенный готический свод – это крестовый свод. Еще один элемент готического стиля, который мне очень нравится – это окно-роза. Такое название окон получило благодаря своей круглой форме, украшениям декоративными элементами. Окна-розетки располагаются на фасаде соборов и обладают невероятной красотой. Говоря о средневековых окнах, нельзя не упомянуть о цветных витражах.

Широко распространены окна трифора и бифора. Трифора (итал. Trifora) — тип окна, вертикально разделённого на три проёма двумя колоннами или пилястрами, на которые опираются три арки, закруглённые или острые. Иногда трифору обрамляют общей (четвёртой) аркой, которую декорируют круглым окошком, гербом, другими элементами декора.
Бифорий (лат. biforis – двусторонний, на две стороны) — арочное окно или проём, разделенный колонкой или столбиком на две части.

Трифора встречается реже, чем бифора, в романскую, готическую и ренессансную эпохи. По сравнению с бифорою, трифора использовалась в бо́льших по размерам зданиях и сооружениях, башнях, колокольнях, на верхних этажах, там, где требовалось «облегчить» структуру при помощи крупного оконного проёма. Прекрасным примером является знаменитая колокольня Джотто  —  кампанила кафедрального собора во Флоренции.

Пламенеющая готика (фр. Flamboyant) — название, данное витиеватому стилю поздней готической архитектуры, популярному во Франции, Испании и Португалии в XV веке. Этот стиль произошёл от лучистой готики и был отмечен ещё большим вниманием к украшениям. Название пламенеющей готики происходит от похожих на языки пламени узоров орнаментов и сильному удлинению фронтонов и вершин арок. Говоря об Итальянской готике, можно сказать, что меньше всего архитектурных сооружений представлено в стиле пламенеющая готика.

Миланский собор – яркий образец архитектуры эпохи «пламенеющей готики» и самый крупный готический храм в мире. Всей своей колоссальной и торжественной формой он словно воздает хвалу божественному величию. Это один из самых узнаваемых храмов в мире.

Собор находится в самом сердце исторического Милана. По замыслу градостроителей в радиально-кольцевой структуре города миланский кафедральный собор, или Дуомо, как его здесь называют, является местом пересечения всех городских дорог.

Архитектурные особенности.

В эпоху пламенеющей готики каждый элемент в строительстве был наполнен особым религиозным смыслом. Так, например, если смотреть сверху, то по форме собор представляет собой католический крест.

Величественность сооружения обусловлена его назначением – представлять собой символ божественного миропорядка.

Фасад здания украшен огромным количеством скульптур. Общее чисто статуй на Дуомо – 3400. Здесь изображены мученики и святые, мифические существа и известные исторические лица. Среди фигур, украшающих собор, можно встретить Наполеона Бонапарта, он помещен наверху одного из неоготических шпилей, построенных по его указу. Также здесь имеется статуя русского князя Владимира Мономаха, принесшего христианство на Русь. Отдельного внимания достойны дождевые ливники, самые старые из которых относятся к самому началу строительства собора. Ливники – традиционные готические элементы в архитектуре соборов, они изображают разнообразных чудищ, с пастей которых стекает вода во время дождя.

Эпоха возрождения  (Ренессанс) – новая эпоха в культуре Западной Европы, пришла на смену Средневековью. Это направление зародилось в Италии XIV–XVII веков. Позиция церкви пошатнулась, человек был провозглашен центром Вселенной. В обществе возродился интерес к античной культуре. Художники вновь обратили внимание на классические образцы красоты. Искусство отошло от церкви и стало служить знати и буржуазии. Архитектура внезапно возвращается к классическим канонам, большое внимание уделяется пропорции и симметрии.

На фасадах впервые получает художественное значение рустика – кладка или облицовка стен здания грубо околотыми с наружной стороны (или с искусственной шероховатостью) камнями (рустами) обычно с узким, более гладким кантом по краям. Рустика имитируется разбивкой стены на прямоугольники и полосы. В Венеции вместо рустики часто облицовывали фасад пестрыми дорогими каменными плитами различных цветов в виде инкрустации. Кладка делалась с тщательно вытесненными и углубленными пазами и шероховатыми промежуточными поверхностями.

Первоначально палаццо были просты, лаконичны, с мощным рустом стен и последовательным делением этажей карнизами. Впоследствии горизонтальное деление дополнилось на фасаде вертикальным; пилястры, пилоны или колонны. В позднем Возрождении рустика сочеталась с изящными эффектными пилястрами с весьма фантастическими капителями.

Великие архитекторы стремились решить  технически сложные архитектурные задачи. Одним из таких выдающихся архитекторов был  Филиппо  Брунеллески.

Идея возведения купола посетила его еще в Риме, и он, храня её в тайне, работал над ней каждый день. Он изучил и зарисовал все античные своды, особое внимание уделяя Пантеону с его огромным куполом, не имеющим опор.

Вернувшись во Флоренцию, он много месяцев тайно изготовлял модели и приспособления для постройки купола. Постепенно его замысел становился более отчетливым, он буквально видел купол построенным в своем воображении. Гениальность и простота идеи состояла в том, что двойная конструкция, связанная ребрами и обручами задумывалась системой, поддерживающей саму себя. Особый способ укладки кирпичей придавал дополнительную прочность конструкции. Двойной свод, собранный из восьми граней, должен быть скреплен фонарем для нагрузки, предотвращающей обрушение.

Филиппо изготовил модель этого фонаря и, дожив до старости, и понимая, что может не увидеть купол законченным, он завещал, чтобы фонарь построили непременно по его проекту, что и произошло к 1470 году.

С той поры прошло много веков, но купол Брунеллески и сегодня возвышается над городом и не перестает восхищать своей идеальной красотой и гениальной простотой.

Среди некоторых произведений искусств эпохи Возрождения можем выделить  Двор Бельведера, который  является частью архитектурного комплекса Ватиканских дворцов. Он считается одним из самых известных и значимых объектов эпохи Возрождения. Название «Бельведер» переводится как «прекрасный вид». Подобные постройки возводили на холмах, чтобы любоваться захватывающими видами окрестностей. Именно для этого был задуман Бельведер.

Подводя итог вышесказанного, можем с уверенностью сказать, что архитектура ренессанса — эпоха, окутанная величием и вдохновляющая воображение своим великолепием и изяществом.

     Архитектура эпохи Барокко, так же как живопись и скульптура, отошла от принципов пропорции, равновесия и гармонии эпохи возрождения. Мастера барокко использовали новые архитектурные элементы: изогнутые линии, орнаменты на карнизах и колоннах, позолоченные элементы. Сооружения выглядели пышно и помпезно. Внутреннее убранство восхищает нарочитым богатством, порой до «боли в глазах» (итал. A volte fa quasi male agli). Если в других странах можно говорить о вариациях и локальных разновидностях барокко, то Италия это и есть родина барокко.

Современное лицо Рима сложилось в эпоху барокко. Этот архитектурный стиль господствует в городе повсюду – трудно представить себе Рим без его барочных церквей, фонтанов и площадей. Впрочем, они напоминают слой косметики на лице стареющей, но все еще прекрасной женщины. Наметанный глаз легко вычленит исходные структуры, которые определяют облик всего сооружения.

Сицилийское барокко возникло в XVII веке, и в основе его лежат три силы: абсолютизм, контрреформация и извержение вулкана.

В 1693 году произошло извержение вулкана Этны, за котором последовало сильное землетрясение. В результате этих событий значительная часть зданий острова была разрушена, а местные архитекторы получили большой простор для реализации своих идей.  Многие из них учились в Риме, где наблюдали расцвет этого причудливого пышного стиля, поражающего взгляд зрителя обилием скульптур, переплетением декора, волнообразным изгибом фасадов и балконов. К концу XVII века они почувствовали себя достаточно уверенными в использовании этих архитектурных форм, чтобы начать не просто заимствовать их, но также и предавать местный колорит.

Архитектура острова содержит, как правило, гораздо большее число декоративных элементов, чье сочетание придает ей неповторимое своеобразие. Одним из любимых украшений сицилийских архитекторов было широкое применение масок и путти (маленьких крылатых мальчиков), которые чаще всего использовались для поддержания балконов.

ГЛАВА  III

ЖИВОПИСЬ

Вероятно живопись наименее известный вид искусства Древней Греции. Несмотря на это в музеях Италии представлено большое количество надгробных плит, среди которых одна из наиболее запоминающихся – «Гробница ныряльщика». В 1968 году в Пестуме была обнаружена так называемая Tomba del tuffatore «Гробница ныряльщика» с изумительно сохранившимися фресками ( 470 г. до н. э). Это единственный полностью дошедший до наших дней ансамбль греческой фресковой живописи классического периода. Пять росписей, наряду с другими античными находками, ныне находятся в Национальном археологическом музее Пестума. Первая фреска изображает не водные процедуры, а символический прыжок в загробный мир.

Живопись Древнего Рима широко известна во многом благодаря «консервации» после извержения вулкана Везувия. Парадокс, но если бы Помпеи и Геркуланум не были погребены под слоем пепла, оказавшимся природным консервантом, безжалостное время не пощадило бы ни фресок, ни домов, ни улиц. Слово фреска — итальянского происхождения, фреска значит — свежий. Фреска— один из способов стенной живописи по сырой  штукатурке, основанный на применении гашеной извести в качестве связующего вещества. Единственный недостаток данного вида живописи в том, что художник должен работать очень быстро – senza pensarci due volte (итал. – «не думая два раза»). На помпейских фресках характерного красного цвета обычно изображали богов и богинь, героев и воинов, флору и фауну и многое другое. В настоящее время все помпейские фрески, конечно, художественная ценность. Они выставлены в Археологическом музее в Неаполе, где мы можем ими полюбоваться.

Психологический портрет – одно из наиболее впечатляющих изобретений римского искусства. Другая техника, которую освоили мастера той эпохи  – это мозаика. Крошечные кусочки мозаики были сделаны из натурального камня, стекла или смальты. Мозаика – это произведение художественного искусства, которым можно восхищаться и любоваться часами. По сути, это та же самая картина, только сделанная из камушков.

В искусстве Италии византийские влияния, ввиду особых исторических обстоятельств, то в большей, то в меньшей степени прослеживаются на всем протяжении периода Средневековья, начиная с середины V века. В V–VI века Равенна считалась столицей итальянско-византийской мозаики. Поражают своей красотой драгоценные золотые мозаики Собора Святого Марка в Венеции, Базилики Санта-Мария-ин-Трастевере в Риме. Ярчайшую струю византийской образности и стиля, проникшую на итальянскую землю, можно наблюдать на примере памятников Сицилии XII века. При этом мозаики соборов в Чефалу и Монреале, церкви Марторана и Палатинской капеллы в Палермо занимают совершенно особенное место, поскольку представляют собой яркую иллюстрацию необыкновенно интересного процесса смешения местного сицилийского вкуса с византийской традицией в ее классическом константинопольском варианте комниновского возрождения и позднекомниновского маньеризма.

Еще одним наследием византийского искусства были иконы, которые мы можем увидеть в Итальянских храмах и в наши дни. Это классические иконы, написанные на деревянных досках. Живопись на деревянных досках была широко распространена до конца XIV века и только позже ее вытеснила живопись на холсте. Одной из самых известных подобных икон является «Черная Мадонна». Ранее высказывались предположение, что тёмный цвет лица и рук на некоторых средневековых изображениях Девы Марии вызван случайными причинами – например, возрастом статуй и картин либо длительным воздействием чада горящих свечей. Однако ныне у искусствоведов сложилось мнение, что такой цвет кожи Богородицы был выбран художниками умышленно; на это, в частности, указывает тот факт, что чёрный цвет покрывает лишь участки кожи, но не одежды либо предметы второго плана.

К средневековой живописи по дереву относится полиптих, картина составленная из нескольких деревянных створок. Также есть диптих и триптих. Обычно их использовали для украшения алтарей церквей. Золотой алтарь Сан-Марко в Венеции является бесценным сокровищем. Наиболее известная фигура того периода – Джотто, итальянский художник и архитектор. Он произвел настоящую революцию в живописи XIV века. Роспись Капеллы Скровеньи, находящейся в итальянском городе Падуя – одно из великих творений Джотто. На всех ее внутренних стенах художник изобразил сцены, рассказывающие о жизни святой Девы Марии и Иисуса Христа. Эту же тему он использовал ранее при росписи Верхней церкви Святого Франциска в Ассизи. На заднем плане изображена монументальная сцена Страшного суда.

    Зарождение и расцвет эпохи Возрождения (Ренессанса). Для живописи эпохи Возрождения характерно обращение профессионального взгляда художника к законам природы и восприятия мира человеком. Так появилось изображение пространства методами перспективных построений, анатомически правильный рисунок форм человека и животных, натуральное распределение света и тени, умение добиваться осязательных ощущений в изображениях фактур, и, может быть, самое главное – умение передавать характер человека и выражение его лица.

Наиболее яркими представителями данной эпохи являются – Леонардо Да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонарроти.

Леонардо изобрел новую технику в живописи – сфумато (итал. «исчезающий, как дым»).Она более достоверно передает то, как человек видит окружающий мир: детали пейзажа немного размыты, цветовые контрасты и линии смягчены.

Линейная перспектива – нововведение Ренессанса. С помощью этого приема на полотне создается иллюзия глубины. Главные линии сходятся в одной, что порождает ощущение пространства.

Эпоха Возрождения длится чуть больше 100 лет и в XV веке на смену приходит эпоха Маньеризма.

В итальянской живописи XV века евангельские сцены или эпизоды из житий святых часто включали в себя публику – свидетелей, обсуждающих происхо­дящее, и даже в толпе они не заслоняли друг друга; обретенное ренессансное достоинство являло себя в величавой осанке персонажей, в мерном ритме и ясной фронтальности постановок. Но уже ближе к концу столетия (у Ботти­челли, например) в картинах усиливается динамика — и чем дальше в следую­­щий век, тем больше движение проникает даже в те сцены, где сюжет его вовсе не предусматривает. Фигуры изгибаются (зачастую в жертву сложному ракурсу приносится анатомическая правильность); композиции делаются асимметрич­ными, выстраиваются на композиционных диагоналях, отрицающих статику вертикалей и горизонталей. Персонажи экспрессивно жестикулируют; иногда эта экспрессия переходит в аффект. И само человеческое тело, прежде уверен­но прямостоящее, теперь норовит склониться, уцепиться в поисках опоры за другое тело, почти упасть — или почти взлететь, оторвавшись от земли.

Эпоха Барокко – стиль, довольно во многом похожий на маньеризм. Живопись в стиле барокко охватывает широкий спектр стилей, являясь наиболее важной живописью периода, начинающегося примерно в 1600 году и продолжающегося на протяжении всего XVII века, и в начале XVIII века, которая сегодня определяется как живопись в стиле барокко. В своих наиболее типичных проявлениях искусство барокко характеризуется большим драматизмом, богатым, глубоким колоритом, интенсивным светом и темными тенями. В отличие от искусства эпохи Возрождения, которое обычно изображало момент до того, как произошло событие, художники эпохи барокко выбирали наиболее драматичный момент, момент, когда происходило действие. Искусство в стиле барокко было призвано вызывать эмоции и страсть, а не спокойную рациональность, которая ценилась во времена Возрождения.

Среди величайших художников периода барокко — Веласкес, Караваджо, Рембрандт, Рубенс, Пуссен, и Вермеер. Живопись в стиле барокко часто драматизирует сцены, используя световые эффекты светотени; это можно увидеть в работах Рембрандта, Вермеера, Ле Наина и Ла Тура. Караваджо произвел революцию своим подходом к пространственному изображению, резким контрастом между темным фоном и освещенными главными персонажами. Также, известный художник  работал в технике светотень (chiaroscuro), выработав особую драматическую манеру, которая называлась «тенебризм» (итал. tenebre – мрак).

Мы кратко рассказали об искусстве Древней Греции и Италии, об этапах ее развития. Разумеется, что охватить в полной мере этот длительный исторический путь развития античного искусства, длившегося на протяжении XVII веков, мы не смогли. Но мы видим, что наследие того периода дошедшее до наших времен, является свидетельством отношения к человеку и как исторические события нашли свое отражение и в скульптурных, художественных портретах как греков, так и римлян.

Заключение

Данное исследование имеет и практическую направленность, которое может реализовываться на практике в средней школе на уроках истории в 7–11 классах, так же может и применяться во внеклассной деятельности, которая проводится в соответствии с ФГОС.

Содержание

1. Введение               5
2. ГЛАВА I    Скульптура                                                               5
3. ГЛАВА II   Архитектура                                                            16
4. ГЛАВА III  Живопись                                                                27
5. Заключение 31
6. Список литературы 33

Список источников и литературы

1. Альберти Л.-Б. Десять книг о зодчестве: в двух томах/ перевод В.П.Зубова и фрагмент анонимной биографии в переводе Ф.А.Петровского.–М.:Издательство Всесоюзной академии архитектуры,1935-1937. –1183с.
2. Альберти Л.-Б. Десять книг о зодчестве.Т.1./ перевод В.П.Зубова и фрагмент анонимной биографии в переводе Ф.А.Петровского.–М.:Издательство Всесоюзной академии архитектуры,1935.-392с.
3. Альберти Л.-Б. О живописи. О статуе.Т.2./ Материалы и комментарии:Джорджо Вазари.Жизнеописания Леон-Батисты Альберти..перевод В.П.Зубова и фрагмент анонимной биографии в переводе Ф.А.Петровского.–М.:Издательство Всесоюзной академии архитектуры,1937.–791с.
4. Андреа Палладио Четыре книги об архитектуре/ А.Палладио пер. И.В.Жоатоковского.–М.:Издательство: Всесоюзной Академии Архитектуры Москвы.-1938.-345с.
5. Асканио Кондиви. Жизнеописание Микельаньоло Боунарроти 1553 г. / под.ред.И.Я.Цагарелли. Мастера искусства об искусстве. Т.II.-М.:Искусство,1966.-С.194-198.
6. Бенвенуто Челлини. Трактат о скульптуре (1568) / под.ред.И.Я.Цагарелли. Мастера искусства об искусстве. Т.II.-М.:Искусство,1966.–С.220–223.
7. Беноццо Гоццоли. Письмо Пьетро Медичи от 1 апреля 1438 г. / под.ред.И.Я.Цагарелли. Мастера искусства об искусстве. Т.II.–М.:Искусство,1966.-С.93.
8. Вазари Дж. Жизнеописания наиболее знаменитых ваятелей и зодчих / Пер. с ит. А. Венедиктова, А.Габричевского.– Спб.: Азбука-классика.С.100–101.